AMULETOS, HACEDORES, Y VOCES Parte I
Esta selección de artistas que fueron parte de Amuletos nos han ofrecido un vaivén de sensaciones que pasarán entre la fortaleza, la ternura, la delicadeza, y la pérdida. Escuchen como los Amuleto se van cargando de profundidad en cada palabra que nos brindan.
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Son tantas las visitas a museos, galerías, y espacios culturales que hemos vivido sin alquilar audífonos, sin guías, ni contexto. Dejándonos llevar únicamente por nuestra curiosidad deambulamos en la espera que algo atesorable nos invada tanto, que solo nos queda acercarnos, a buscar la causa de esta sensación en algún detalle, un color, un gesto o un olor que les habita. Como animados por el deseo que la obra nos murmure al oído su pasado… O su futuro.
El artículo de archivo audio bilingüe tiene como objetivo crear equilibrio. Destacar obras de una muestra en un artículo, ensombrece el trabajo de otros artistas, los que no se mencionan.
Con esta propuesta de archivo se celebra la participación de cada artista de la muestra Amuleto, estoy abriendo espacio para que los artistas compartan con su propia voz la historia de sus obras. Nos ofrecen un intercambio directo e íntimo.
La muestra colectiva de Amuleto estuvo ubicada en tres espacios diferentes en Chicago: Hyde Park Art Center, el Franklin y Mayfield, co-organizada por: Edra Soto, Allison Peters Quinn, Alberto Aguila, Madeleine Aguilar. Duró desde el 22 de abril hasta el 13 de agosto 2023. Una nueva iteración de “Amuleto” abrió sus puertas el 7 de noviembre de 2023 en El Lobi en Puerto Rico como una colaboración con el Franklin.
Descubriremos juntos todas las obras expuestas en diferentes fases. Cada artículo contará con el trabajo de 10 o 12 artistas de la muestra, incluyendo los curadores para el artículo final.
Esta selección de artistas nos han ofrecido un vaivén de sensaciones que pasarán entre la fortaleza, la ternura, la delicadeza, y la pérdida. Escuchen como los Amuleto se van cargando de profundidad en cada palabra que nos brindan.
Parte I artistas:
Tela, papel aluminio, y adhesivo.
21 x 24 x 6″. Cortesia del Artista.
Tela, papel de aluminio, obsidiana.
Alrededor de 7 x 5 x 4″. Cortesia del artista.
Hola, me llamo Diana Frid y voy a hablar un poquito de las dos piezas que contribuí para las exposiciones Amuleto. Una de ellas se llama en inglés Hood for Detecting Minor Planet, que se traduciría de cierta forma a cachpucha para detectar planetas menores. Y la segunda se llama Colonel Outtakes. Es un poquito más difícil de traducir un Colonel, es lo que está dentro de una semilla, la parte carnosa. Outtakes es lo que se le sacó. Esta pieza viene de un libro que se llama Colonel, en el cual metí una piedra mucho más grande de obsidiana. Y las telas que se ven en capas son las que salieron para yo poder hacer un espacioagujero para meter una obsidiana muy grande. Ambas piezas yo creo que tienen que ver con nuestro lugar en el cosmos. En una estoy tratando de encontrar una manera para detectar asteroides. Y en la otra es el tiempo geológico de una piedra volcánica que va más allá de lo que puede ser una vida humana. Todo ese tiempo que nos precede a los humanos dentro del cosmos. Creo que eso es buena suerte también.
Tela, gorro para el cabello, cabello sintético, rulos, alfileres, granos de café, dijes, corcho.
10W x 11H x 5D”. Cortesia del artista.
Antes que mi madre hiciera su transición, mi familia y yo tuvimos una conferencia telefónica para discutir sobre sus deseos para su entierro. Antes de esta conversación, había asistido a la exposición en el Instituto de Arte de Chicago titulada El lenguaje de la belleza en el arte Aafricano, donde recordé lo mucho que me cautivan los reposacabezas y los que tenían en exhibición.
Parecían muy incómodos para descansar o dormir o recostar la cabeza o el cuello, pero allí aprendí que se usaban para mantener peinados elaborados. Entonces, cuando me propusieron participar en la exposición Amuleto en el Hyde Park Art Center, descubrí en mis investigaciones que el reposacabezas se utilizaba como amuleto funerario en el antiguo Egipto. O se hacía una miniatura del reposacabezas del difunto cosido en las vendas de la momia, o se utilizaba el original para reposar la cabeza de la momia.
Esto me llevó a reimaginar un reposacabezas y siempre me sentí agradecida de que mi madre, mi abuela, y mi tía me enseñaran cómo cuidar mi cabello y peinarlo. Esta costumbre se la transmití a mis hijos.
Inspirándome en los reposacabezas de África y Asia, utilizados para preservar peinados elaborados mientras uno dormía, esto me llevó a ese recuerdo incómodo de dormir con rulos, horquillas, y gorros mientras daba vueltas y vueltas, tratando de sentirme cómoda en esa almohada moderna. Entonces, para mí, en honor a mi madre, esta escultura “Almohada de los Sueños” es un amuleto protector de los sueños, un recordatorio para descansar, restaurar y reiniciar.
Wood, iPhone, Twitter, sonido e interacción con la audiencia.
12 1⁄2 x 12 1⁄2 x 3″. Cortesia del artista.
Creé el Amuleto Moderno como respuesta al tema de la exposición Amuleto. Pensé mucho en cómo algo puede brindar protección contra el mal, el peligro, o la enfermedad. Estuve igualmente pensando en el teléfono como un lugar de consuelo y conexión que nos influye, nos guía y nos protege de alguna manera, quise desafiar a la audiencia a entrar en esta realidad.
También pensé mucho en lo que es el amuleto moderno para las personas de fé, particularmente los cristianos, y pensar en un amuleto nuestro, es probablemente una confesión. También pensar en el feed de Twitter anónimo como un confesionario, una manera de expresar cómo la tecnología, continúa impactándonos a diario.
Impresión 3D en resina, acrílico, latón, aluminio, pintura, y motor.
10x10x10″. Cortesia del artista.
Retrato sin órganos es un autorretrato que reflexiona sobre la naturaleza del sacrificio y la idea del cuerpo sin órganos propuesta por Antony Artaud en su obra El teatro y su doble.
Artaud propone que el cuerpo humano está atrapado en un sistema de órganos que lo limita y condiciona. El cuerpo sin órganos es una forma de liberarnos de este sistema y alcanzar un estado de abundancia y libertad.
El modelo a escala 3D impreso en resina blanca contrasta con una bandeja dorada decorada con motivos florales negros dando al conjunto un sentido espiritual y ceremonial. Al igual que el barroco, la estética se presenta mediante un uso dramático de luces, sombras y formas intensas. La exageración y el contraste crean un efecto sorprendente en la teatralización de la escena.
La idea de reliquia está representada en objetos tradicionales que se vinculan a la memoria, a una persona o a un evento sagrado. La reliquia ha sido venerada durante siglos y se dice que tiene poder curativo en el contexto de amuletos y objetos mágicos. La obra está concebida como una representación simbólica sobre la fe y la esperanza.
3D resin print, acrylic, brass, aluminum, and paint. Cortesia del artista.
Canope Head es una pieza que explora la idea del objeto mágico y su protección. La obra está compuesta de una serie de objetos escaneados en 3D que familiares y amigos me enviaban durante los meses de confinamiento en 2020.
El uso de objetos escaneados en 3D es una forma de captar la esencia de los seres queridos que vivieron la distancia durante esos días. Estos objetos son únicos y especiales y su presencia en la obra le confiere un significado personal y emocional.
El hexágono es una forma geométrica que se encuentra con frecuencia en la naturaleza y asociada a la biología humana. El círculo es una forma simbólica de protección. En muchas culturas representa la unidad, la integridad, y la seguridad. En este caso el círculo representa la unidad y protección por ello.
Este amuleto es una pieza con un atributo mágico que representa el amor y la protección a nuestros seres queridos en circunstancias de miedo y dolor.
Impresión montada y enmarcada.
15 x 11″. Cortesia del artista.
Esta fotografía es un autorretrato titulado (Una Misma) Sheela-na-Gig. El origen preciso y el significado de Sheela-na-Gig siguen siendo desconocidos. Los historiadores generalmente creen que se hicieron entre los siglos XI y XVII.
Estas figuras desnudas, con vulvas exageradas y abiertas pueden ser encontradas en iglesias y edificios seculares, principalmente en Irlanda, pero también en el Reino Unido, España y Francia. Por lo general, se colocan sobre ventanas, entradas o puertas para proteger los pasillos y las aberturas.
La mayoría de los historiadores creen que las Sheelas son diosas de la fertilidad precristiana o un talismán folclórico destinado a brindar protección contra el mal y garantizar un parto seguro y saludable.
Este autorretrato como Sheela-na-Gig es un poderoso gesto de rebelión contra el patriarcado y un protector moderno de los cuerpos femeninos de los fascistas que han prohibido y criminalizado el aborto, despojándonos de nuestro derecho a controlar nuestros propios cuerpos.
Céramica de alta temperatura.
4 x 8 x 7″. Cortesia del artista.
Estas tres cerámicas son parte de mi proyecto en curso, que trata de desarrollar una mitología personal y especulativa.
Todos son espíritus animales: una tortuga, un ocelote, que es similar a un jaguar y un xolo, el perro mexicano. Todos están cargados de significados simbólicos, particularmente en las culturas prehispánicas mexicanas.
Las tortugas, por ejemplo, están asociadas con paciencia, longevidad, y resistencia. Los jaguares están asociados con fuerza y con agilidad, y los xsolos eran los guías para el inframundo.
Estas esculturas son una especie de talismán y también de ofrenda. Son recordatorios de las fortalezas y las cualidades que quisiéramos tener y que queremos perseguir.
Collar, parafina, pigmento, polvo de mica. Cortesia del artista.
Un amuleto para mí es un objeto que se hace. Puede ser un objeto encontrado con el que te familiarizas y puedes reconocerlo en diferentes lugares. Su función es guiarte y protegerte.
Este amuleto guarda cera para que en cualquier momento sea necesario utilizarlo, transformado en un objeto funcional y útil, como una vela. Eso es este amuleto y tiene una forma, que me resulta muy familiar. Se ha transformado a partir de un ladrillo.
Un amuleto es también un objeto que va evolucionando dependiendo de las necesidades o requerimientos de quien lo posee.
Pájaro de balsa regalo del padre del artista sobre una pintura hecha por el artista.
14 x 14 x 5″. Cortesia del artista.
Cuando pienso en un Amuleto, pienso en un objeto que se puede transportar y que es móvil. Con esta obra Adelante y Atrás pienso en la distancia y en cómo este objeto, que vino de Ecuador, fue traído por mi padre. Estuvo con él por mucho tiempo y luego me lo transmitieron.
Es un Amuleto también porque hay este adorno en el objeto, tiene múltiples colores y además está adornado por el recipiente o exterior que también toma forma de pintura.
A menudo pienso en los objetos como cosas que puedes presentar para archivarlas o mantenerlas permanentemente en algún espacio, ¿verdad? Porque cuando un objeto se pone en el espacio tiene una función, pero cuando se saca del espacio, se sale de lo común. Se saca de lo cotidiano, se convierte en una re reliquia, se convierte en algo más.
Medios mixtos.
75 x 6 x 3″. Cortesia del artista.
Para Amuleto, mostré tres instalaciones separadas y específicas de una serie titulada Glifos de un paisaje temporal. La obra está compuesta por diferentes piedras, escombros y materia orgánica que recolecté durante mis caminatas y viajes, algunos objetos que encontré en el lugar mismos y algunos que realicé en mi taller mientras investigaba materiales.
En el Centro de Arte de Hyde Park, se recogieron rocas de la orilla del lago junto con juguetes en miniatura. Había uno en el que un hombre en miniatura estaba dentro de una cápsula y descansaba en el borde de una piedra, casi como si estuviera mirando desde un acantilado.
En el Franklin presenté ojos hechos de latón, junto con otros objetos encontrados y luego pasto del jardín.
En Mayfield, utilicé materiales del taller como alfileres, clips, bandas elásticas que también se combinaron con lápices fundidos de mi taller y cáscaras de naranja.
En cada instalación, los objetos están arreglados en una línea que responde a la propia ubicación. Me interesa colocar objetos uno al lado del otro que a menudo son imitaciones entre sí. Objetos hechos a mano y encontrados juntos, que emanan su presencia, sus historias, una acumulación de su tiempo y costumbres.
Pastel de grafito y óleo sobre papel. 9 x 8″ (sin marco). Cortesia del artista.
Ingredientes: Palma, planta del dinero, Yerba Santa, Albahaca, Piedra de Alumbre, Obsidian, Amethyst.
10 x 10 x 13″. Cortesia del artista.
La inspiración de mi plano para el amuleto medicinal fue transitoria de la planeación de mi Huerta. Todos los años, durante la primavera, dibujo planos para cada sección de mi Huerta. La formación de cada siembra es basada en la relación con las plantas y sus alrededores, exposición a la luz del sol diario y tiempo de germinación. En este dibujo, cada componente es colocado basado en sus propiedades y orígenes (como terráneo, subterráneo, y aéreo) para invocar los elementos necesarios.
Finalmente la composición es arreglada basada en la simetría sagrada. El amuleto fue inspirado por los remedios caseros, qué son un reflejo de nuestra cultura Latina. La cuál es una mezcla de creencias indígenas, africanas, y europeas. Cada una de estas plantas y elementos provienen de uno o más de esas creencias.
Acrilico, lapiz de color, pastel de cera, y collage de tela sobre carton forrado.
11 x 15 x 2 1⁄2″. Cortesia del artista.
Es gracioso que me pidan una historia sobre las obras que incluí en Amuleto porque en realidad las obras parecen ser historias. Son imágenes que parecen libros abiertos y están pintadas sobre tableros cubiertos de lienzo y parecen texto. Sin embargo, son indescifrables e incognoscibles.
Así que simplemente leeré la declaración del artista que escribí para el programa y dejaré que eso represente su historia.
Las plantas son escritores que inscriben el mundo con un lenguaje profuso e interminable. En su mundo, también nuestro mundo, el exterior es el interior. Siempre hay también interiores dentro de interiores.
Estas pinturas de glifos de libros independientes, son como imágenes escritas con plantas. El deseo se abre a un lugar vegetal. Sus formas que se replican e invierten, simulan alfabetos y gramáticas, canalizando una inteligencia desconocida.
Algodón japonés vintage, 100% algodón reciclado y nuevo material, reconstruidos a máquina y acolchados a mano.
72 x 60″. Cortesia del artista.
Durante la pandemia, comencé a trabajar en un proyecto que implicaba descubrir formas sencillas de dibujar los polígonos esenciales para hacer colchas usando sólo papel, lápiz y una regla. Al necesitar ayuda, le pedí a mi padre, que es matemático, que me ayudara a revisar algo de geometría básica y criticar mis métodos. En realidad, nunca antes había hablado de matemáticas con mi padre, pero esta conversación se convirtió en un largo intercambio sobre la geometría de las colchas que incluyó muchas llamadas telefónicas y correos electrónicos.
Fue una oportunidad muy especial para conectar nuestros dos campos de interés y conectarnos a nivel personal ya que no pudimos estar juntos en esos días de encierro. Hice esta colcha después de la muerte de mi padre en 2021.
Es una respuesta a estas conversaciones.
Cuando le mostré a mi papá el método que había desarrollado para dibujar un hexágono, la forma en la que se basa esta colcha, quedó impresionado con mi método, pero me dijo que necesitaba llamar a mi forma hexágono entre comillas, porque no lo era. No es lo suficientemente preciso como para sostenerse matemáticamente. Las comillas en el título de esta colcha son para él un reconocimiento de la diferencia entre las matemáticas de colchas y las matemáticas reales.
Esta es la única colcha que he hecho expresamente para mi propia cama. Encarna ideas de calidez, cuidado, conocimiento, memoria, y familia. Las telas son una combinación de índigos japoneses antiguos, camisas de hombre y una tira de estampado de cera Africana cubierta de ojos, un recordatorio de que mi papá siempre me está cuidando.
Metal, cera, parafina. Cortesia del artista.
Patitas es una serie continua que se centra en objetos en descomposición encontrados. Mistificados por sus narrativas desconocidas contadas a través de sus pátinas, sus colores, sus texturas, les doy una nueva existencia a través del juego. La belleza del deterioro de cada objeto aumenta la conciencia de su entorno, lo que refresca mi curiosidad sobre cómo llegaron y cómo podría interpretar sus orígenes.
Esta serie me ha permitido explorar profundamente una idea que siempre me ha fascinado sobre cómo todos decidimos qué despierta y qué no despierta nuestra curiosidad.
En esta pieza específica que se mostró en el Franklin, las patitas están hacia arriba, por lo que son patitas pa’rriba.
| Este artículo fue realizado con el apoyo de Hyde Park Art Center, The Franklin and Mayfield. Quiero agradecer a Tran Tran y Allison Peters Queen por su apoyo y a cada artista por su confianza. |
Sobre la escritora: Natalia Villanueva Linares es una hacedora de momentos franco-peruana vive en Chicago y trabaja entre Norteamérica, Sudamérica y Europa. Su práctica artística oscila entre la sensación monumental por el volumen de sus instalaciones y performance participativas.
Natalia también es gestora cultural, cofundó la organización sin fines de lucro Yaku en Peoria IL. Es la ex directora de la mini mansión High Place y fundadora de la revista Ukayzine, creada para promover los intercambios culturales internacionales a través de las artes visuales.
Con Sixty Inch From Center, Natalia colabora como traductora, creó la serie “Desde los Archivos” y trabajó como organizadora del programa crítico CANJE, una exploración en la crítica cultural.