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Memorias, mitos y la práctica maximalista de Cecilia Beaven

Imagen: Cecilia Beaven sentada en una galería frente a tres de sus grandes pinturas amarillas y negras, incluídas en la muestra “Dream” en Hyde Park Art Center. Cecilia está sentada sobra una silla, mirando hacia un lado. Foto de Ryan Edmund Thiel.

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Cuando entré en el taller de Cecilia Beaven del Hyde Park Art Center el otoño pasado, me impactó una sensación inmediata de déjà vu. Curiosa y con la esperanza de entender por qué, me moví lentamente por el espacio, mirando sus cómics, ilustraciones, tejidos y la animación en bucle en una pequeña pantalla en el centro de la habitación. Cuando mis ojos se posaron en sus pinturas y pequeñas esculturas de cerámica, recordé de inmediato: en las primeras semanas de 2020, vi el trabajo de Cecilia en la Galería Plomo en la Ciudad de México y, no solo había visto su trabajo, sino que había pasado horas sentada con él y adentrándome en los recipientes alegóricos que ella había creado. Me atrajo su habilidad de hacer un trabajo que ofrecía misterio, asombro, humor y vulnerabilidad a través de migas de pan que se han desprendido de relatos autobiográficos y ancestrales.

Como pueden imaginar, nuestra visita del taller abarcó mucho terreno. Hablamos de artistas de historietas internacionales, dibujos animados de Nickelodeon y nuestras experiencias como hermanas pequeñas de nuestras familias. Hablamos sobre cómo, a pesar de que su práctica se mueve a través de distintos medios con fluidez, eso no impide que se encuentre con curvas de aprendizaje ocasionales. Compartimos nuestros pensamientos sobre el peso y las limitaciones de las etiquetas, cómo las sacudimos o les damos forma. Fuimos aún más lejos, hablando sobre las formas en que las etiquetas cambian en diferentes geografías y contextos sociales, cómo la raza puede desorientar a quienes inmigran a los Estados Unidos. Después de volver a leer esta entrevista, recordé la fuerza que me atrajo su trabajo cuando lo vi por primera vez hace dos años. Luego, pensé en lo impresionada e inspirada que mi yo preadolescente, amante de dibujos animados de los sábados por la mañana estaría después de ver un trabajo como este y escuchar la historia de Cecilia.

Esta entrevista ha sido editada para mayor claridad y brevedad.



Tempestt Hazel: Me gustaría comenzar con una introducción. ¿Cómo te describirías como artista?

Cecilia Beaven: Como artista, me defino como una artista maximalista y lúdica. Soy mexicana, y eso también entra en mi arte. Me encantan los cuentos, la mitología y las fábulas. Me formé como pintora, pero hago un trabajo multidisciplinario. Tengo el deseo de crear y hacer imágenes en diferentes medios y materialidades. 

TH: Salgamos de tu práctica por un segundo. Estamos en transición hacia un nuevo año y también estás llegando al final de esta residencia en Hyde Park Art Center. ¿Qué es lo que más te preocupa en este momento, ya que tiende a ser un momento de reflexión?

CB: Mi primer sentimiento es de agradecimiento por el espacio. Realmente me encantó y superó mis expectativas. Fue increíble. Conocer a todos en el Centro de Arte, gente muy agradable, de buen corazón. Cuando pienso en metas personales, es divertido porque comencé con una idea muy definida de lo que haría este año. Puedo distraerme y saltar de una cosa a otra, así que me preocupaba que eso sucediera. Pero me sorprendí haciendo un trabajo que no había anticipado y no terminé haciendo lo que pensé que haría a principios de año. Eso es gracioso. Pensé que haría muchos cómics, lo cual creo que te dije la última vez que estuviste aquí. No logré hacerlo y creo que fue una lección de aprendizaje este año: hacer cómics requiere mucho tiempo y necesito estar más comprometida con ese proyecto sin tener otros proyectos al lado. Entonces, ¡ojalá en el nuevo año!

Pero he estado traduciendo el lenguaje de los cómics a otras formas, que es algo que no anticipé. Las pinturas en las que estoy trabajando, que serán parte de [Hyde Park Art Center’s Dream] la muestra abajo, surgieron de lo que estaba pensando en los cómics. Entonces, los cómics se convirtieron en otra cosa. Los mosaicos también siguen esa lógica. Estaba pensando en lo que significaría hacer un cómic físico donde los animales fuesen mosaicos. Me sorprendió cómo cambiaron los proyectos.

Pude aprovechar el espacio. Estaba muy feliz y la vista me hizo feliz [risas]. Fue una buena experiencia en general.

Imagen: Un retrato de la artista Cecilia Beaven en su taller del Hyde Park Art Center en diciembre de 2021. Cecilia está parada frente a varias piezas de cerámica y esculturas colgadas en las paredes de su estudio. Ella está de pie junto a una ventana, mirando hacia afuera. Foto de Ryan Edmund Thiel.

TH: ¿Tienes algún ritual que practiques en esta época del año?

CB: ¡Sí! Algo que solíamos hacer en nuestra familia, en México, era escribir nuestros deseos para el próximo año en un papel. Puedes escribir doce.

TH: ¡Eso es mucho! No sé si podría pensar en doce deseos.

CB: ¡En realidad no es mucho! Cuando empiezas a escribir te das cuenta de que necesitas más. Entonces, cuando eres niña, pides deseos, pero [cuando creces] piensas en ellos como metas, tienes que ser tú quien los haga realidad. Luego, tienes que doblar el papel doce veces y esconderlo en algún lugar. Es algo que todavía hago el último día del año. Creo que es un buen momento para reflexionar y conseguir nuevos objetivos para el nuevo año.

También trato de planificar lo que quiero a lo largo del año, pero en términos flexibles. Tampoco quiero ser demasiado exigente conmigo misma y ponerme expectativas que no puedo cumplir.

TH: Hablaste de la familia, y cuando miro tu trabajo veo tantas cosas distintas. Una de las cosas que aprecio es cómo te insertas en tu trabajo. Es sutil pero también claro. Tengo curiosidad por saber si tu familia aparece de una manera igualmente sutil.

CB: Realmente no. Recientemente, a través de los cómics, los he ido incluyendo un poco más. Pero los cómics son más autobiográficos. Mi familia aparece porque son parte de mi vida, pero no juegan el mismo papel que yo en mi obra. [Su presencia] es más literal.

One of the projects that I started this year that was really hard to continue because it took a lot of time Uno de los proyectos que comencé este año y fue realmente difícil de continuar porque tomó mucho tiempo y energía emocional, fue un cómic sobre crecer en México. Se centra en mi padre y su extraña relación con mi madre. Entonces, comencé a dibujar a mi papá repetidamente, algo que nunca antes había hecho. Cuando estaba en la escuela de arte en México para mi BFA, hice una serie de retratos de él, pero, desde entonces, no creo que lo haya dibujado. Entonces, [dibujarlo ahora] fue nuevo y divertido: comencé a verlo como un personaje en mi mundo. Estaba pensando en sus diferentes perfiles, ángulos: cómo se ve caminando o sentado, cómo se ve cuando está llorando. Es una buena manera de entender a una persona y tratar de pensar desde su personalidad.

TH: Mientras describías eso, comencé a pensar en cómo hay una diferencia entre sentir que conoces a las personas en tu vida y sus gestos, pero luego cómo eso podría cambiar cuando los estudias. A través de ese proceso, ¿encontraste algo inesperado que se reveló sobre él?

CB: Definitivamente fue emotivo. Cuando lo dibujé llorando, y solo lo he visto llorar una vez en mi vida, dibujarlo en ese momento me hizo llorar. Sin embargo, no sé si algo se reveló.

Imagen: Una foto de una ilustración cómica de 4 fotogramas colgada en la pared del taller de Cecilia Beaven. El primer panel dice: “Seamos claros”. El segundo dice: “Dibujar es un acto de conciencia”. El tercer panel dice: “Y no una versión linda y divertida de la realidad”. El cuarto panel dice: “Entonces, no te debo ni mierda”. Se ven materiales del taller en primer plano. Foto de Ryan Edmund Thiel.

TH: Al incluirte en tu trabajo, ¿cuál es la motivación?

CB: He estado haciendo esto durante mucho tiempo, tratando de verme como un personaje que puede pertenecer a los mundos que dibujo, pinto o esculpo. Comenzó como un juego, siendo lúdica y dibujarme como un personaje divertido, algo diferente a un autorretrato. También me encantan los dibujos animados y las novelas gráficas. Así que pensar en mis dibujos como personajes es un sentimiento bueno y apropiado. Empecé a reflexionar sobre lo que significaba mirarme por fuera. Cada vez que me dibujaba, significaba que, metafóricamente, tenía cierta distancia sobre mí misma. Me permitió ser más introspectiva e incluso ser más consciente de cómo me veo y cómo me veo con diferentes emociones. Puedo ser más consciente de cómo se siente mi cuerpo y cómo eso afecta mi apariencia. Puede ser realista y poco realista. Al igual que los mosaicos, algunas de las poses no son realistas, pero reflejan cómo se sienten las cosas dentro de mí. Entonces, realmente me interesé en cuán perspicaz podía ser y reflexionar sobre mí misma y mi vida: la felicidad y lo absurdo de simplemente estar viva. Qué alegre, extraño y absurdo puede ser.

TH: Eso es tan real. Te inspiras en las novelas gráficas y es imposible no ver eso en tu trabajo. ¿Cuáles son algunos de tus favoritos?

CB: ¡Tengo tantos! Me encanta Chris Ware, que es de Chicago. Las dos primeras novelas gráficas que me fascinaron en la universidad fueron Epileptic de David Beauchard, un autor francés. Luego Jimmy Corrigan: The Smartest Kid on Earth de Chris Ware. Creo que esos dos me causaron una gran impresión: nunca había visto ese formato de novela gráfica. Había visto cómics e incluso los cómics independientes no eran realmente una gran cosa en México. Había visto cómics comerciales y me gustaban, pero no sentía una gran pasión por ellos. Pero esas [novelas gráficas] me dejaron boquiabierta.

Algunos otros autores que amo en este momento son Power Paola, una autora [colombo-ecuatoriana] y una figura fuerte en América Latina. Amo a Jim Woodring de los EE. UU. y a Emill Ferris (su trabajo es más reciente pero es ex alumna de SAIC). Michael DeForge, es un autor canadiense y realmente me encanta su trabajo. Tiene una figuración e historias tan únicas.

TH: Tengo curiosidad acerca de tu relación con la narración de historias y dónde comenzó todo. Me doy cuenta que probablemente haya una diferencia entre la primera vez que recuerdas cómo llegó a tu vida y cuando se convirtió en parte de tu práctica, pero ¿qué te hizo aprender a amar la narración de historias? 

CB: Bueno, el amor por las historias comenzó con los dibujos animados cuando era niña, y películas. Cuando era niña, mi madre tenía una tienda de alquiler de videos, y esto fue antes de que Blockbuster llegara a México. Era una empresa mexicana y quebró cuando llegó Blockbuster. Ella dirigía este negocio y eso significaba que yo tenía acceso a cientos de películas. Soy la menor de tres hermanas, por mucho. La mayor tiene catorce años más y la otra seis años más. Creo que mis padres estaban cansados ​​de criar hijos [cuando nací].

TH: Soy la menor de seis hermanos, ¡así que conozco ese sentimiento!

CB: Así que todas las reglas que se aplicaban a mis hermanas no existían para mí. Podía ver cualquier película que quisiera, ¡de terror o cualquier cosa!

TH: ¡Estás hablando de mi experiencia!

CB: Sí, vi tantas cosas. Y me encantó Me encantó cómo puedes contar historias con imágenes. Luego, vi dibujos animados compulsivamente, Nickelodeon, Cartoon Network, todo eso. También conocí historias a través de mi familia. Mi abuela me cantaba canciones infantiles que eran cuentos y mi mamá me leía a veces de noche. Estaba rodeada de ficción. Era una linda manera de existir en el mundo.

I iLo incorporé a mi trabajo una vez que comencé a dibujarme un poco después de la universidad.

Imagen: Cuatro de las pinturas de Cecilia, una al lado de la otra, colgadas en la pared de su taller. Cada pintura muestra una figura colorida que encaja perfectamente dentro del marco del lienzo. Debajo de la obra se pueden ver otros materiales de taller y dibujos de historietas sobre una mesa. Foto de Ryan Edmund Thiel.

TH: Luego está la mitología que incorporas en tu trabajo. No necesariamente estás tratando de contar historias específicas de la mitología que se cuentan generalmente o son ampliamente conocidas, pero estás incorporando elementos de esas historias en tu trabajo. ¿Puedes hablar más sobre eso?

CB: Me encanta la mitología como parte de la narración. Me encanta en general y me interesa aprender sobre mitos de diferentes lugares, épocas y culturas. Incluso cuando viajo, es algo que me gusta investigar sobre dónde estoy: ¿cuáles fueron las primeras historias que se contaron sobre ese lugar? Siguiendo esa lógica, en la ciudad de México, de donde soy, las historias originales y las primeras historias fueron contadas por los aztecas antes de que llegaran los españoles. Aunque hay mucho orgullo en México, al menos recientemente, para mostrar las raíces indígenas, estas historias [aún] no son tan conocidas. Lo que es triste. La mitología que todos tenemos tiene más que ver con los mitos católicos que con todas las historias que se contaban mucho antes. Entonces, disfruté leer sobre esa mitología y conocer más sobre ella: los códigos visuales que usaron para escribir. Eso es algo que tomo como inspiración en mi trabajo. Pero, como dijiste, no es para contar una historia específica sino para reflexionar sobre este tiempo y este lugar. También lo que significa pensar en una mitología tan antigua. Me obliga a pensar en las mitologías que tenemos ahora que ni siquiera vemos porque simplemente existimos en el mundo. [Nosotros también] pensamos que es lo que es, pero olvidamos que hicimos las reglas y es un juego que estamos jugando. Hay un tablero de juego.

Las mitologías son una forma de entender el mundo y explicarte el mundo a ti mismo. Ahora mismo tenemos muchas formas diferentes de entender el mundo y explicárnoslo, esa es nuestra mitología. Si alguien lo mirara dentro de mil años, parecería una mitología ingenua, que es lo mismo que nos sucede cuando miramos mitologías antiguas, parecen cuentos populares o mitología ingenua. Pero somos humanos, seguimos cambiando y tratamos de explicar el mundo de alguna manera. Y a veces tenemos que poner algo de ficción en eso. Entonces, eso me recuerda que esto sigue siendo un juego. Estamos desempeñando roles que nos imponemos a nosotros mismos, y eso me permite mirar hacia afuera.

Imagen: Un retrato de la artista Cecilia Beaven en su taller temporal en el Hyde Park Art Center en diciembre de 2021. Cecilia está sentada en una silla, con las piernas cruzadas, mirando a la cámara. Lleva un top negro, pantalones rojos y zapatos amarillos con negro brillantes. A su alrededor hay obras de arte, libros, lienzos, esculturas y cajones para suministros y materiales. Foto de Ryan Edmund Thiel.

TH: Con respecto a crear nuestras propias reglas… Estaba escuchando una conversación que hiciste para el Festival Lit & Luz, y me llamó la atención algo que dijiste sobre cómo identificas y cómo no identificas – las decisiones que tomas en torno a las etiquetas que te ponen. Me hizo pensar en cómo, para mí, hay etiquetas que sé que son inherentes y que están solo en mí porque soy quien soy. Pero, al mismo tiempo, la forma en que elijo hablar sobre mí misma de un momento a otro puede cambiar y puedo decidir dejar esas etiquetas, porque como dijiste, nosotros creamos las reglas, tenemos esa capacidad hasta cierto punto por lo menos. En el panel de Lit & Luz, hablabas de eso.

Me pregunto qué piensas acerca de que todos tenemos el poder de definirnos y decidir qué queremos hacer con las etiquetas, las que nos colocan y las que heredamos. En este momento, ejercer ese poder puede ser un desafío en el contexto de los climas sociales actuales. Es difícil aferrarse a formas más matizadas de identificarnos cuando las artes y el mundo a menudo quieren poder sacar y resaltar las piezas más útiles para ellos, o nosotros mismos las sacamos estratégicamente cuando queremos o necesitamos.

Haces un trabajo que explora la apertura y la libertad. Dicho todo esto, mi pregunta es ¿cómo mantienes esa apertura y libertad dentro de tu trabajo en el contexto actual y en los tiempos que vivimos?

CB: Esa es una gran pregunta. Es desafiante. Por un lado, sé que estas categorías se aplican a mí y me definen de varias maneras. Pero también, la parte negativa es que mi cultura puede reducirse, mi personalidad también. Entonces, trato de jugar entre esos lugares. Muestro afiliación con mi identidad cultural, mi presencia aquí como inmigrante, o lo que sea. Trato de tomar eso, ser honesto al respecto y pensar en ello, pero también trato de no caer en los clichés que se esperan de mí, especialmente en los Estados Unidos.

Para mí, esa es una nueva forma de pensar en mí, ya que llegué a Chicago en 2017. Antes de eso, era mexicana en México, así que no estaba pensando en ser mexicana, era solo mi realidad. México es mucho menos diverso que los EE. UU. Venir aquí, ver lo diverso que era, pero también dividido: eso fue nuevo y sorprendente para mí. Tuve tantos momentos claves que revelaron a una nueva realidad. La gente empezó a preguntarme si me sentía fuera de lugar. Me hizo decir: “Vaya, ahora que dices eso… supongo que sí”. [risas]

TH: Es como, “Espera… ¿yo? Hm, en realidad sí, sí lo hago…”

CB: Alguien me preguntó dónde vivía y dije Gold Coast. Ni siquiera sabía qué era, solo encontré un lugar asequible y cerca de la escuela. Y luego, más tarde, me di cuenta de lo que era Gold Coast. Una niña me preguntó: “¿Por qué vives ahí? ¿Por qué no vives en Pilsen, ahí están los mexicanos…? Hubo tantos momentos clave. De repente me convertí en una “persona de color”. Nunca antes había pensado en ese término. No lo usamos en México. Por supuesto, distinguimos el color, pero no usamos ese término. 

Entonces, pensé, “wow, soy una persona de color”. Empecé a aprender sobre todas estas categorías y expectativas. Quiero jugar con ellos y ser controvertida con ellos.

Imagen: Colgando de dos clips de carpeta en una pared hay una página blanca que contiene más de dos docenas de dibujos lineales, retratos ilustrados de la artista en varias poses, flotando dentro del espacio de la página. Foto de Ryan Edmund Thiel.

TH: ¿Se ha convertido en un nuevo factor con el que has tenido que luchar en tu práctica y tu trabajo?

CB: Absolutamente. Cuando estaba en México, no tenía todo esto en mente. Realmente no estaba pensando en cómo la gente leería mi trabajo porque asumí que compartíamos un trasfondo cultural y una comprensión. Pero cuando vine aquí [a estudiar], quedó claro que no compartía un trasfondo cultural con casi nadie. Y si hacía algo que parecía “demasiado mexicano”, decepcionaría a algunas personas o atraería a algunas personas por las razones equivocadas. Creo que cambié mi estilo cuando vine aquí. Tal vez un poco.

TH: ¿Cómo describirías ese cambio?

CB: Bueno, estas pinturas […] son ​​un ejemplo de eso. Estaba tratando de incorporar la mitología y pensar en los mitos que provienen de la cultura azteca, pero también creando cierta ambigüedad en torno a ellos para que no pareciera que provienen de un lugar inmediato o específico. Aún conservan elementos que hablan de México, pero en formas distintas a la imaginería, como los colores o las máscaras. Estas son decisiones que tomé mientras vivía aquí. Quería dejar las cosas un poco más abiertas para que todos puedan sentirse bienvenidos e invitados a mirar con curiosidad. Pueden agregar sus propias ideas, narrativas e interpretaciones. Quiero que las personas se sientan incluidas, bienvenidas y curiosas. Si mi trabajo puede hacer eso, entonces estoy feliz con ese cambio. Tal vez parte del trabajo que estaba haciendo en México estaba restringido en ese sentido, y sería más difícil ver [estas cosas] fuera de México.

TH: No quiero hacer una generalización total, pero creo que la mayoría de las personas en el mundo han tenido un encuentro con cosas como cómics y dibujos animados. Y tu uso del color me atrae. Eso, combinado con las figuras y los personajes que creas, invita a la interpretación de maneras increíbles. Pero hay algo que ha crecido en tu trabajo…

CB:  …como un aspecto oscuro? Sí, me encanta jugar con la contradicción entre el juego y los lugares más oscuros. Es introspectivo y psicológico.

TH: También, la energía femenina en él parece importante. Puedo ver cómo eso podría deberse a esa conexión contigo como persona, y muchos de los personajes de tu trabajo eres tú. Además de las partes incrustadas en el trabajo que son un reflejo de ti misma, ¿Utilizas otras energías femeninas en tu trabajo?

CB: México es muy misógino, muy machista. Las principales mitologías, tanto azteca como católica, son misóginas. Creo que es interesante darle la vuelta a eso y pensar en otras formas en que pueden ser las cosas. En mi familia la figura de la mujer era muy importante. Pero mi papá también. Tengo dos hermanas, y nosotros, con mi mamá, pasábamos tiempo con mi tía abuela y mi tía. Crecí rodeada de mujeres. Esas eran las personas que realmente admiraba y quería seguir. Hay mucho que decir al respecto. También hay tantas mujeres haciendo trabajos que intentan compensar el desequilibrio de la historia del arte. Solo estoy tratando de hacer mi parte para el equipo.

Imagen: Una pintura colorida de una de las figuras mitológicas recurrentes de Cecilia está apoyada en las barras de la camilla frente a dos piezas tejidas por Cecilia. Foto de Ryan Edmund Thiel.

TH: Me encanta cómo no te limitas con los medios que exploras. Lo que encuentro tan hermoso es que tomas las historias que estás contando sobre estos personajes que son consistentes y recurrentes, y las traduces a otros formatos. ¿Qué te mueve y motiva a explorar un medio diferente?

CB: Primero está la curiosidad: simplemente probar un nuevo material y ver qué posibilidades ofrece visual, estética, conceptual o metafóricamente. Me encanta usar mis manos y diferentes materialidades me dan diferentes experiencias. No puedo decidirme por uno. Me encanta combinar cosas siempre que puedo, especialmente cuando instalo el trabajo. Me encanta tener una escultura combinada con pinturas o una proyección sobre una pintura. Me gusta jugar con los formatos y las cosas multimedia.

Podría estar haciendo un pequeño dibujo y podría comenzar a pensar que este dibujo en particular podría ser una gran escultura de cerámica. Puedo ver su formato, tamaño y veladuras. Entonces, los esmaltes podrían hacerme pensar en pintar. Brinco cuando me siento bien. Me gusta ver las partes como un organismo. La respuesta corta es que solo soy yo siendo juguetona y maximalista.

TH: Voy a tratar de nombrarlos a todos. Comenzaste con el dibujo, que está relacionado con los cómics, luego están las pinturas, luego la cerámica, los murales y las animaciones, que también están relacionadas con los dibujos. ¿Cuál de estos tuvo la curva de aprendizaje más empinada para ti?

CB: Supongo que la animación. Toma mucho tiempo, por lo que es tan poderoso mirar la animación porque realmente puedes ver el esfuerzo y las horas que se dedicaron a crear en unos pocos segundos de animación. Casi te sientes culpable parpadeando cuando lo estás viendo porque sabes que te estás perdiendo las horas de trabajo de alguien. ¡No entiendo cómo la gente mira hacia otro lado! Tienes que prestar atención. [risas]

Dibujar es lo más fácil. Es lo que empecé a hacer cuando era niña. Es mi lugar feliz y mi zona de confort. Los murales son desafiantes, no exactamente difíciles, pero físicamente desafiantes. Estás usando tu cuerpo de diferentes maneras, subiendo escaleras y andamios. Tienes que ser aventurera.

Imagen: un dibujo lineal y una animación que cambia de forma hecha por  Cecilia Beaven que muestra varias criaturas marinas y piedras preciosas transformándose unas en otras. Obra de Cecilia Beaven.

TH: Cuando veo tus murales, pienso en la diferencia entre cómo aparecen estos personajes en el espacio de tu estudio, un sitio web, una galería o un salón de clases. Pero, ¿piensas en tu trabajo de manera diferente cuando está en el mundo, en espacios públicos al aire libre y en la naturaleza?

CB: …donde sea más accesible. Sí, me encanta. Mi familia no es una familia de artistas y no crecí en ambientes particularmente artísticos, aunque mi familia me apoya mucho. Así que la accesibilidad es algo que me importa mucho. Me gustan las paredes limpias de las galerías, pero no me gusta el aura snob de las galerías y cómo tanta gente no va porque no se siente bienvenida. Entonces, los murales y los cómics comparten un enfoque más democrático hacia el público, lo cual me encanta. El muralismo también es una gran tradición en México que crecí viendo y admirando.

Imagen: Una foto de Cecilia Beaven pintando un mural en México. Puedes ver a Cecilia parada en una escalera, de espaldas al lente. Foto cortesía de la artista.

TH: Cuando se trata de cómics y novelas gráficas, que suenan como una especie de autobiografía, ¿cuál es tu proceso de escritura?

CB: Trato de hacer ambas cosas al mismo tiempo a través de mis cuadernos de bocetos. Escribo poco, dibujo un poco, a veces escribo mucho. Pero los mantengo juntos, trato de mantener el texto como parte de mis diarios visuales. Luego, cuando quiero contar una historia, pienso en una idea, escribo libremente de qué se trata, hago algunos dibujos, luego sigo mejorando la escritura, haciéndola más precisa. Luego, empiezo a planificar cuántos paneles se necesitan para contar estas historias, qué tamaño deben tener y dónde van el texto y los dibujos. Cuando armo todo, tengo que ponerlo en un formato cohesivo. Es difícil contar historias que tengan sentido. Me encanta el desafío, pero no es mi talento más natural.

Imagen: Una vista del estudio de Cecilia. Pueden ver piezas de una escultura de pared que cambia de forma en primer plano entre latas de pintura y una mesa con pinceles en frascos. En el fondo lejano se puede ver una escultura amarilla brillante de una figura agachada con las manos extendidas frente a ella; la figura parece ser un retrato del artista. Foto de Ryan Edmund Thiel.

TH: Estoy muy emocionada de ver la pieza final. Tus cómics y animaciones me recuerdan a algunos de mis cineastas favoritos que crean historias en los límites de la realidad: no ficción extraña y estirada. Tu trabajo intenta romper esas barreras. Hay muchos niños en mi vida y tu trabajo me recuerda mi tiempo con ellos. No es que tu trabajo sea infantil, sino que es más honesto y un reflejo más completo de cómo es el mundo en realidad. Es emocionante pensar en la alegría y la combinación entre ficción y no ficción en tu trabajo: es el tipo de espacio que necesitamos mucho más.

CB: Es bueno escuchar eso porque es difícil y lleva tiempo. Es bueno saber que otras personas están interesadas y piensan que es un proyecto necesario. Es necesario para seguir adelante.

TH: Continuando con la pieza aspiracional y sin culpa por lo que no se logró en 2021, ¿qué visualizas para ti en este nuevo año? Qué esperas?

CB: Espero centrarme en el proyecto de la novela gráfica. Tengo un muy buen comienzo pero quiero dedicar algo de tiempo para trabajar en ello. Es algo que necesito hacer y que me sanará a mí y a otras mujeres que han experimentado entornos machistas similares.

También quiero seguir viniendo a los talleres de cerámica aquí [en Hyde Park Art Center]. También enseñando, espero seguir haciéndolo para siempre. Y, por supuesto, encontrar otras residencias.

Imagen: Varios mosaicos de cerámica marrón, azul, verde azulado, gris y rosa organizados juntos en una pared. Cada uno contiene una escena que se asemeja a los guiones gráficos cómicos de Cecilia. En medio de estos azulejos hay dos pequeñas obras escultóricas de cerámica en pequeños estantes de color azul brillante. Foto de Ryan Edmund Thiel.

TH: Siento curiosidad sobre tu enseñanza y cómo es enseñar en este momento. Sin atravesar un umbral de confianza con tus alumnos, ¿cuál ha sido tu experiencia en el aula estos tiempos? Cuando se trata de lo que hacen los estudiantes o las conversaciones que tienen lugar en ese espacio.

CB: Ha sido genial estar en un espacio para compartir y escuchar nuevas ideas. Como docentes, estamos allí tratando de guiarlos pero también de aprender de ellos. Tienes que tener cuidado de guiarlos y no borrar su innovación. Me encanta ver cómo crecen y entienden las cosas, luego las incorporan a su trabajo. Me encanta ver cómo las cosas se refinan. En la escuela de arte, la gente crece mucho, es increíble verlo desde afuera.

También pienso en mí cuando tenía esa edad y en ese momento de mi vida. Recuerdo cómo se siente y lo emocionante que fue. Es tan lindo verlos en ese momento, dándose cuenta de cosas sobre ellos mismos y en su mundo profesional.

TH: ¿Hay algo que aportas a tu práctica docente que haya sido informado por la forma en que has sido educada?

CB: Sí, pero también algunas cosas que están informadas por lo que desearía que me hubieran enseñado y lo que no. Intento que mi clase se centre en diferentes expresiones, países, culturas, lo menos centrada posible en la historia del arte occidental. Intento dar un alcance lo más amplio posible. A veces eso significa investigar mucho y no dar por sentado que lo que aprendí y lo que me enseñaron fue importante. El trabajo vale la pena. También enseño lo que encontré valioso en mi propia educación.

TH: Escuché eso. Gran parte del motivo por el que se inició Sixty fue por el arte que no estábamos aprendiendo o viendo en nuestra educación. ¿Cuál es tu playlist en el taller?

CB: Estaba justo hablando de esto con un amigo. Escucha – estábamos compartiendo los aspectos más destacados de nuestra playlist. Resulta que soy la que escucha más The Avalanches.

TH: ¿¡En serio!? ¡Me encantan The Avalanches! Y tienen vídeos musicales geniales. Creo que todavía tengo uno de sus CD de hace mucho, mucho tiempo.

CB: Es interesante, innovador y extraño. Me gusta la música lúdica. Animal Collective, algunas cosas en español que escuchaban mis padres. Depende de mi estado de ánimo.

TH: Y mi última pregunta está relacionada con los archivos. Tienes mucho trabajo en diferentes formas. Dentro de dos millones de años, si este planeta existe y la gente está excavando y encuentra trabajo tuyo, ¿qué esperas que encuentren?

CB: Probablemente una de las esculturas de cerámica porque pueden ser muy engañosas. Tal vez pensarían: “Oh, esta es una cultura antigua de personas que usan pieles de animales”. Propondrían diferentes interpretaciones y probablemente no pensarían que es solo un artista jugando.

Imagen: Una vista de instalación de tres de las grandes pinturas amarillas y negras de Cecilia, incluidas en la muestra “Dream” en Hyde Park Art Center. Las pinturas cuelgan una al lado de la otra, instaladas sobre formas negras pintadas directamente en la pared detrás de las pinturas, con un estante de forma similar montado en la pared al lado izquierdo. Foto de Ryan Edmund Thiel.

BIO: Tempestt Hazel is a curator, writer, artist advocate, and co-founder of Sixty Inches From Center. Find more of her work at tempestthazel.com. Photo by Matt Austin.

Escritora: Tempestt Hazel es curadora, escritora, defensora de artistas y cofundadora de Sixty Inches From Center. Encuentre más sobre su trabajo en tempestthazel.com. Foto de Matt Austin.

Translator: Natalia Villanueva Linares is a French + Peruvian international artist who currently lives in Chicago and works between South America, North America, and Europe. Her work has been shown in two major exhibitions at the Palais des Beaux Arts in Paris. She also exhibited at the Sala Miro Quesada Garland in Peru, the Collège de Bernardins in Paris and La Graineterie (FR). In 2019 she had her first solo shows with DPM gallery in Ecuador, at Alliance Française gallery (2020) and Wu Gallery (2021) in Peru.