Note: Portuguese sections of this interview are in bold, and the English sections are un-bolded.
Daniel Sabóia, Patricia Almeida and Fabio Steque are the members of TANTO Criações Compartilhadas, a collective art and design practice in Salvador, Bahia, Brazil. The three artists have degrees in Architecture and Urban Planning at the Universidade Federal da Bahia. TANTO’s projects include installations and sculptural objects, designed spaces for creative action, and graphic design, often in collaboration with other artists, publishers and organizers.
Edra Soto is a multidisciplinary artist, educator and curator born in Puerto Rico and based in Chicago. She works between social practice, immersive installations and architectural interventions, employing materials and practices from post-colonial visual cultures to address issues of colonization, cultural identity, and relationships between communities. Edra Soto is also co-director of the outdoor project space THE FRANKLIN, in her backyard in Garfield Park.
Daniel Sabóia and Patricia Almeida, from TANTO, and Edra Soto are part of “Close to There <> Perto de Lá”, an artist exchange program between Salvador, Brazil and Chicago organized by Comfort Station in Chicago and Projeto Ativa in Salvador, with support from Harmonipan in Mexico City and Salvador. The program brings a multidisciplinary group of artists from Salvador to Chicago this August, and a cohort from Chicago will visit Salvador in 2020. In advance of the start of the program, Sixty Inches from Center moderated three conversations between artists on either side of the exchange.
Over the two weeks preceding the start of the program, the artists had a chance to get to know each other through a contemporary platform for remote collaboration: Google Docs. They researched each other’s work, and got to to ask a couple of questions of each other before the beginning of the exchange. This conversation was conducted entirely in English, and did not require intermediary translation. It was later translated for our Portuguese-reading audience. TANTO and Edra spoke about the place of architecture in their practice, about material and conceptual limitations they face, and about what each of them hopes to bring to Chicago over the course of the 10-day visit.
Edra Soto is a multidisciplinary artist, educator and curator born in Puerto Rico and based in Chicago. She works between social practice, immersive installations and architectural interventions, employing materials and practices from post-colonial visual cultures to address issues of colonization, cultural identity, and relationships between communities. Edra Soto is also co-director of the outdoor project space THE FRANKLIN, in her backyard in Garfield Park.
Daniel Sabóia and Patricia Almeida, from TANTO, and Edra Soto are part of “Close to There <> Perto de Lá”, an artist exchange program between Salvador, Brazil and Chicago organized by Comfort Station in Chicago and Projeto Ativa in Salvador, with support from Harmonipan in Mexico City and Salvador. The program brings a multidisciplinary group of artists from Salvador to Chicago this August, and a cohort from Chicago will visit Salvador in 2020. In advance of the start of the program, Sixty Inches from Center moderated three conversations between artists on either side of the exchange.
Over the two weeks preceding the start of the program, the artists had a chance to get to know each other through a contemporary platform for remote collaboration: Google Docs. They researched each other’s work, and got to to ask a couple of questions of each other before the beginning of the exchange. This conversation was conducted entirely in English, and did not require intermediary translation. It was later translated for our Portuguese-reading audience. TANTO and Edra spoke about the place of architecture in their practice, about material and conceptual limitations they face, and about what each of them hopes to bring to Chicago over the course of the 10-day visit.
Daniel Sabóia, Patricia Almeida e Fabio Steque são os membros do TANTO Criações Compartilhadas, um coletivo de arte, design e arquitetura em Salvador, Bahia, Brasil. Os três artistas são graduados em arquitetura e urbanismo pela Universidade Federal da Bahia. Os projetos do TANTO incluem instalações e objetos esculturais, espaços projetados para ação criativa, e design gráfico, frequentemente em colaboração com outros artistas, publicações e organizadores.
Edra Soto é uma artista multidisciplinar, educadora e curadora nascida em Porto Rico e radicada em Chicago. Ela trabalha entre prática social, instalações imersivas e intervenções arquitetônicas, empregando materiais e práticas de culturas pós-coloniais para abordar questões de colonização, identidade cultural, e relações entre diferentes comunidades. Edra Soto também é co-diretora do espaço THE FRANKLIN, em seu quintal em Garfield Park.
Daniel Sabóia e Patricia Almeida, do TANTO, e Edra Soto fazem parte do “Perto de Lá <> Close to There”, um programa de intercâmbio de artistas organizado pelo Projeto Ativa (Salvador) e pela Comfort Station (Chicago) com apoio do Harmonipan (Mexico City, Salvador). O programa traz um grupo multidisciplinar de artistas de Salvador a Chicago entre 9 e 19 de agosto de 2019, e leva um grupo de Chicago para a Bahia em fevereiro de 2020. Antes do início do programa, Sixty Inches from Center moderou três conversas entre artistas de cada lado da troca.
Ao longo das duas semanas antes do início do programa, os artistas tiveram a oportunidade de conhecer um ao outro por uma plataforma contemporânea para colaboração remota: Google Docs. Eles pesquisaram sobre o trabalho um do outro, e puderam fazer e responder algumas perguntas uns aos outros antes da chegada dos brasileiros a Chicago. Essa conversa foi conduzida inteiramente em inglês, e traduzida depois para o público leitor de português. TANTO e Edra falaram sobre o lugar da arquitetura em suas respectivas práticas, sobre as limitações materiais e conceituais que enfrentam, e sobre o que cada um espera trazer durante a visita de 10 dias a Chicago.
Edra Soto é uma artista multidisciplinar, educadora e curadora nascida em Porto Rico e radicada em Chicago. Ela trabalha entre prática social, instalações imersivas e intervenções arquitetônicas, empregando materiais e práticas de culturas pós-coloniais para abordar questões de colonização, identidade cultural, e relações entre diferentes comunidades. Edra Soto também é co-diretora do espaço THE FRANKLIN, em seu quintal em Garfield Park.
Daniel Sabóia e Patricia Almeida, do TANTO, e Edra Soto fazem parte do “Perto de Lá <> Close to There”, um programa de intercâmbio de artistas organizado pelo Projeto Ativa (Salvador) e pela Comfort Station (Chicago) com apoio do Harmonipan (Mexico City, Salvador). O programa traz um grupo multidisciplinar de artistas de Salvador a Chicago entre 9 e 19 de agosto de 2019, e leva um grupo de Chicago para a Bahia em fevereiro de 2020. Antes do início do programa, Sixty Inches from Center moderou três conversas entre artistas de cada lado da troca.
Ao longo das duas semanas antes do início do programa, os artistas tiveram a oportunidade de conhecer um ao outro por uma plataforma contemporânea para colaboração remota: Google Docs. Eles pesquisaram sobre o trabalho um do outro, e puderam fazer e responder algumas perguntas uns aos outros antes da chegada dos brasileiros a Chicago. Essa conversa foi conduzida inteiramente em inglês, e traduzida depois para o público leitor de português. TANTO e Edra falaram sobre o lugar da arquitetura em suas respectivas práticas, sobre as limitações materiais e conceituais que enfrentam, e sobre o que cada um espera trazer durante a visita de 10 dias a Chicago.
TANTO: We are a collective formed by three architects, but architecture itself is not such a central subject in our practice as it is in yours. Although we don’t specifically reflect on architecture as a subject, we realize that an architectonic approach is inevitably present in our way of thinking and structuring everything we do. When we started looking through your work, we first thought you were an architect that migrated to visual arts, as we did, but then we saw that your whole education was in the visual arts field, starting with painting. How did architecture come to have such an important presence in your work, and has it changed the way you go through your process of creation?
TANTO: Nós somos um coletivo formado por três arquitetos, mas a arquitetura em si não é um assunto tão central na nossa prática quanto na sua. Enquanto não refletimos especificamente sobre arquitetura como tema, nós percebemos que um viés arquitetônico está inevitavelmente presente em tudo que fazemos. Quando começamos a olhar o seu trabalho, achamos que você, como nós, era uma arquiteta que migrou para as artes visuais, mas depois vimos que toda sua formação foi no campo de artes visuais, começando com a pintura. Como a arquitetura veio a ter uma presença tão grande no seu trabalho, e isso mudou como você passa por seu processo criativo?
Edra Soto: During my upbringing in Puerto Rico, the architectural elements that permeated my home and urban surroundings are visually attractive, intriguing and hard to avoid. As a result, the fractal geometry of these architectural elements inevitably became a part of my visual lexicon.
GRAFT, my ongoing architectural interventions, not only help me create a symbolic migratory gesture, but allows me to talk about the complex relationship between Puerto Rico and the US.
GRAFT inquires about the original authors of the rejas and quiebrasoles made in wrought iron and concrete and alludes to their importance in relation to Colonial architecture.
The manifestation of these patterns in artistic form is not uncommon among Caribbean artists. While quiebrasoles and rejas are popularly recognized in Puerto Rican’s visual culture, there is little exploration or research on the origin of these patterns. Contrary to the inundated familiarity of colonial architecture, vernacular architecture has yet to be included as an exploratory subject in primary and secondary education in the Caribbean. A significant aspect of GRAFT uncovers and honors the history that has been accepted rather than explained.
Looking at some of your projects, I am perplexed by the attention to detail, no matter how simple or common the function of the objects you choose to craft can be. Can you expand on the importance of detail in crafting your concepts?
GRAFT, my ongoing architectural interventions, not only help me create a symbolic migratory gesture, but allows me to talk about the complex relationship between Puerto Rico and the US.
GRAFT inquires about the original authors of the rejas and quiebrasoles made in wrought iron and concrete and alludes to their importance in relation to Colonial architecture.
The manifestation of these patterns in artistic form is not uncommon among Caribbean artists. While quiebrasoles and rejas are popularly recognized in Puerto Rican’s visual culture, there is little exploration or research on the origin of these patterns. Contrary to the inundated familiarity of colonial architecture, vernacular architecture has yet to be included as an exploratory subject in primary and secondary education in the Caribbean. A significant aspect of GRAFT uncovers and honors the history that has been accepted rather than explained.
Looking at some of your projects, I am perplexed by the attention to detail, no matter how simple or common the function of the objects you choose to craft can be. Can you expand on the importance of detail in crafting your concepts?
Edra Soto: Durante minha criação em Porto Rico, os elementos arquitetônicos que permeavam minha casa e a cidade em torno de mim eram visualmente atraentes, intrigantes e difíceis de ignorar. Como resultado, a geometria fractal desses elementos arquitetônicos inevitavelmente se tornou parte do meu léxico visual.
GRAFT (“enxerto”), minhas intervenções arquitetônicas atuais, não somente me ajudam a criar um gesto migratório simbólico, mas também me permitem falar da relação complexa entre Porto Rico e os Estados Unidos.
GRAFT pergunta pelos autores originais das rejas e quiebrasoles feitos de ferro e concreto, aludindo a sua importância com relação à arquitetura colonial.
A manifestação desses padrões de forma artística não é incomum entre artistas do Caribe. Enquanto quiebrasoles e rejas são popularmente reconhecidos na cultura visual porto-riquenha, a origem desses padrões é pouco explorada ou pesquisada. Ao contrário da familiaridade inundada da arquitetura colonial, a arquitetura vernacular ainda não foi incluída como assunto a ser explorado na educação primária e secundária no Caribe. Um aspecto importante de GRAFT é descobrir e honrar essa história que foi mais aceita do que explicada.
Vendo alguns dos seus projetos, eu estou perplexa com a atenção de vocês aos detalhes, por mais simples ou comum que seja a função do objeto que vocês decidem fabricar. Vocês poderiam falar mais sobre a importância dos detalhes na construção dos seus conceitos?
GRAFT (“enxerto”), minhas intervenções arquitetônicas atuais, não somente me ajudam a criar um gesto migratório simbólico, mas também me permitem falar da relação complexa entre Porto Rico e os Estados Unidos.
GRAFT pergunta pelos autores originais das rejas e quiebrasoles feitos de ferro e concreto, aludindo a sua importância com relação à arquitetura colonial.
A manifestação desses padrões de forma artística não é incomum entre artistas do Caribe. Enquanto quiebrasoles e rejas são popularmente reconhecidos na cultura visual porto-riquenha, a origem desses padrões é pouco explorada ou pesquisada. Ao contrário da familiaridade inundada da arquitetura colonial, a arquitetura vernacular ainda não foi incluída como assunto a ser explorado na educação primária e secundária no Caribe. Um aspecto importante de GRAFT é descobrir e honrar essa história que foi mais aceita do que explicada.
Vendo alguns dos seus projetos, eu estou perplexa com a atenção de vocês aos detalhes, por mais simples ou comum que seja a função do objeto que vocês decidem fabricar. Vocês poderiam falar mais sobre a importância dos detalhes na construção dos seus conceitos?
TANTO: An important Brazilian architect, Vilanova Artigas, liked to cite the French architect Auguste Perret, who said that we have to “make the supporting points sing”. The encounter of a pillar and a beam, of two different materials or two pieces assembled can be a very poetic and eloquent aspect of a good design. In anything we design, whether it’s a graphic piece, an object or a space, we always go through its many scales, from the broader concept and looks to the small details of how it’s crafted, in an effort to discard anything that can be excessive or out of the project’s own coherence. It’s always an obstinate pursuit of synthesis, of solutions that, although very simple, collapse many layers of complex thinking. The constructive method has to reflect the artistic concept, but also be truthful to the materials being used and who is going to build it. We also frequently like to develop our designs as “systems,” in which a whole is constituted by pieces that attach to each other and form different configurations. This has to do with our interest in collaboration and the potentiality of being open to transformation through collectiveness. Many of our designs have this suggestions that might inspire play, movement, creation and a gathering.
There is also a very important thing that conditions our designs and details: budget restrictions! Almost every work we do has to deal with limited budgets and this ends up being an important influence on our designs’ language, as it defines what materials we can use, what craft techniques and so on. Also, the fact that we are almost never able to properly prototype our designs makes innovation more risky. We have to play more safely sometimes, structure-wise, and also work with construction methods and materials that are not too far from the usual, or craftsmen will charge more. But we’ve come to understand that it’s possible to take advantage of that and take the limitations as a way to potentialize creativity, searching for ways to innovate in spite of all those limitations.
What are the limits that you face on your practice and how has that influenced your work, from the time you were producing in Puerto Rico and since you’ve established in US?
There is also a very important thing that conditions our designs and details: budget restrictions! Almost every work we do has to deal with limited budgets and this ends up being an important influence on our designs’ language, as it defines what materials we can use, what craft techniques and so on. Also, the fact that we are almost never able to properly prototype our designs makes innovation more risky. We have to play more safely sometimes, structure-wise, and also work with construction methods and materials that are not too far from the usual, or craftsmen will charge more. But we’ve come to understand that it’s possible to take advantage of that and take the limitations as a way to potentialize creativity, searching for ways to innovate in spite of all those limitations.
What are the limits that you face on your practice and how has that influenced your work, from the time you were producing in Puerto Rico and since you’ve established in US?
TANTO: Um importante arquiteto brasileiro, o Vilanova Artigas, gostava de citar o arquiteto francês Auguste Perret, que dizia que temos que “fazer cantar os pontos de apoio.” O encontro da pilastra com a viga, de dois materiais diferentes juntos, pode ser um aspecto muito poético e eloquente de um bom design. Em qualquer coisa que projetamos, pode ser um material gráfico, um objeto ou um espaço, sempre procuramos considerar suas diferentes escalas, desde o conceito e aparência mais amplos até os menores detalhes de como a coisa é fabricada, com a intenção de descartar qualquer elemento que seja excessivo ou que escape à coerência interna do projeto. É sempre uma busca obstinada pela síntese, por soluções que, apesar de muito simples, encerram muitas camadas de pensamento complexo. O método de construção deve refletir o conceito artístico, mas também deve ser honesto com relação aos materiais usados e a quem vai construir. Além disso, nós frequentemente desenvolvemos nossos projetos como “sistemas,” em que o todo é constituído por peças que se encaixam umas nas outras e formam diferentes configurações. Isso tem a ver com nosso interesse em colaboração e no potencial de estar aberto à transformação por meio da coletividade. Muitos dos nossos projetos tem essas sugestões que podem inspirar brincadeira, movimento, criação e a reunião de pessoas.
Também há uma questão importante que determina nossos designs e detalhes: restrições orçamentárias! Quase todos os trabalhos que fazemos tem que lidar com orçamentos bem limitados e isso acaba por influenciar a linguagem do nosso design, já que define que materiais podemos usar, que técnicas de fabricação, e tudo o mais. Além disso, o fato que quase nunca podemos fazer protótipos completos dos nossos projetos torna a inovação mais arriscada. Às vezes procuramos o caminho mais seguro, do ponto de vista da estrutura, e trabalhamos com métodos de construção que não estão tão distantes do convencional, já que fabricadores qualificados cobram mais por processos diferentes. Mas chegamos ao entendimento de que é possível tirar vantagem dessas condições e tomar as limitações como uma maneira de potencializar a criatividade, procurando por maneiras de inovar apesar de todas essas limitações.
Quais são os limites que você enfrenta na sua prática, e como isso influenciou o seu trabalho, quando produzia em Porto Rico e desde que se estabeleceu nos Estados Unidos?
Também há uma questão importante que determina nossos designs e detalhes: restrições orçamentárias! Quase todos os trabalhos que fazemos tem que lidar com orçamentos bem limitados e isso acaba por influenciar a linguagem do nosso design, já que define que materiais podemos usar, que técnicas de fabricação, e tudo o mais. Além disso, o fato que quase nunca podemos fazer protótipos completos dos nossos projetos torna a inovação mais arriscada. Às vezes procuramos o caminho mais seguro, do ponto de vista da estrutura, e trabalhamos com métodos de construção que não estão tão distantes do convencional, já que fabricadores qualificados cobram mais por processos diferentes. Mas chegamos ao entendimento de que é possível tirar vantagem dessas condições e tomar as limitações como uma maneira de potencializar a criatividade, procurando por maneiras de inovar apesar de todas essas limitações.
Quais são os limites que você enfrenta na sua prática, e como isso influenciou o seu trabalho, quando produzia em Porto Rico e desde que se estabeleceu nos Estados Unidos?
ES: I can definitely relate to the aspects of detail that you explain and the limitations that you confront. During my time working as an artist in Puerto Rico, I enjoyed financial stability from work sales. Without much effort, I became a commercial artist right after completing my bachelor’s degree in Puerto Rico. Most of the work I produced and sold in Puerto Rico were paintings.
The type of work I’ve been producing in the last 15 years has gone through major trials defined by financial means or precariousness. I became creative to disguise those limitations and avoid making them a part of my subject. But nowadays, the financial limitations are subject to a project, case by case. Projects that I have crafted with conventional or found materials, usually have manageable budgets. Perhaps GRAFT is the project that has made me a more resourceful artist, for its financial demands. To manage some of these financial demands I’ve created various versions of GRAFT allowing me to focus on the site-specificity and community engagement the project can provide. Because of my strong belief in the project, I’ve been developing it in form and concept since 2012. The most financially demanding iterations of GRAFT have been accomplished through institutional grants or commissions.
Other types of limitations I constantly think about are the ones relating to work ethics. These limitations are self-imposed and usually related to a conceptual construct derived from the work being made. For example, as a symbolic architectural transplant that comes from Puerto Rico, it will be redundant to present the project GRAFT in Puerto Rico. But the GRAFT concepts are relevant to Puerto Rico, so they can be physically presented through documentation and literary mediums.
As I am writing this response, I am wondering what project you will be bringing to Chicago this summer? I look forward to seeing your project in person!
The type of work I’ve been producing in the last 15 years has gone through major trials defined by financial means or precariousness. I became creative to disguise those limitations and avoid making them a part of my subject. But nowadays, the financial limitations are subject to a project, case by case. Projects that I have crafted with conventional or found materials, usually have manageable budgets. Perhaps GRAFT is the project that has made me a more resourceful artist, for its financial demands. To manage some of these financial demands I’ve created various versions of GRAFT allowing me to focus on the site-specificity and community engagement the project can provide. Because of my strong belief in the project, I’ve been developing it in form and concept since 2012. The most financially demanding iterations of GRAFT have been accomplished through institutional grants or commissions.
Other types of limitations I constantly think about are the ones relating to work ethics. These limitations are self-imposed and usually related to a conceptual construct derived from the work being made. For example, as a symbolic architectural transplant that comes from Puerto Rico, it will be redundant to present the project GRAFT in Puerto Rico. But the GRAFT concepts are relevant to Puerto Rico, so they can be physically presented through documentation and literary mediums.
As I am writing this response, I am wondering what project you will be bringing to Chicago this summer? I look forward to seeing your project in person!
ES: Eu entendo bem esses aspectos de detalhes que vocês explicaram e as limitações que vocês enfrentam. Quando eu trabalhava em Porto Rico, eu tinha estabilidade financeira por meio da venda da minha arte. Sem muito esforço, eu me tornei uma artista comercial assim que terminei minha graduação em Porto Rico. A maior parte do trabalho que produzi e vendi em Porto Rico foram pinturas.
O tipo de trabalho que tenho feito nos últimos 15 anos passou por grandes provações, definidos pelos recursos ou pela precariedade financeiros. Eu me tornei criativa ao disfarçar estas limitações e ao evitar fazê-las parte do meu objeto de trabalho. Hoje, porém, essas limitações variam por projeto, caso a caso. Projetos que eu fabriquei com materiais comuns ou encontrados normalmente tem orçamentos mais razoáveis. Talvez GRAFT seja o projeto que tenha me tornado uma artista engenhosa, devido a suas demandas financeiras. Para arcar com algumas dessas demandas financeiras, eu criei várias versões de GRAFT, o que me permitiu lidar mais com a especificidade local e o envolvimento da comunidade que o projeto pode trazer. Porque eu acredito muito no projeto, eu tenho trabalhado e desenvolvido o conceito desde 2012. As versões financeiramente mais onerosas de GRAFT foram realizadas com bolsas ou comissões de instituições.
Outros tipos de limitação sobre os quais penso constantemente são aqueles que se relacionam à ética de trabalho. Essas limitações são auto-impostas, e normalmente se relacionam a um construto conceitual derivado do trabalho em processo. Por exemplo, como se trata de um transplante simbólico vindo de Porto Rico, é redundante apresentar o projeto GRAFT em Porto Rico. Mas os conceitos de GRAFT são relevantes para Porto Rico, então eles podem ser apresentados lá por meio de documentação e publicações.
Enquanto escrevo essa resposta, eu me pergunto que projeto vocês trarão a Chicago este verão? Aguardo ansiosamente para ver o projeto de vocês pessoalmente!
O tipo de trabalho que tenho feito nos últimos 15 anos passou por grandes provações, definidos pelos recursos ou pela precariedade financeiros. Eu me tornei criativa ao disfarçar estas limitações e ao evitar fazê-las parte do meu objeto de trabalho. Hoje, porém, essas limitações variam por projeto, caso a caso. Projetos que eu fabriquei com materiais comuns ou encontrados normalmente tem orçamentos mais razoáveis. Talvez GRAFT seja o projeto que tenha me tornado uma artista engenhosa, devido a suas demandas financeiras. Para arcar com algumas dessas demandas financeiras, eu criei várias versões de GRAFT, o que me permitiu lidar mais com a especificidade local e o envolvimento da comunidade que o projeto pode trazer. Porque eu acredito muito no projeto, eu tenho trabalhado e desenvolvido o conceito desde 2012. As versões financeiramente mais onerosas de GRAFT foram realizadas com bolsas ou comissões de instituições.
Outros tipos de limitação sobre os quais penso constantemente são aqueles que se relacionam à ética de trabalho. Essas limitações são auto-impostas, e normalmente se relacionam a um construto conceitual derivado do trabalho em processo. Por exemplo, como se trata de um transplante simbólico vindo de Porto Rico, é redundante apresentar o projeto GRAFT em Porto Rico. Mas os conceitos de GRAFT são relevantes para Porto Rico, então eles podem ser apresentados lá por meio de documentação e publicações.
Enquanto escrevo essa resposta, eu me pergunto que projeto vocês trarão a Chicago este verão? Aguardo ansiosamente para ver o projeto de vocês pessoalmente!
TANTO: We are proposing a collaborative structure/action we call Atlas, that derives from my Master’s research at the Faculty of Architecture in Bahia, in which I prospect methodological ways of approaching the city in a collaborative and artistic way, but also from many of the works we at TANTO have proposed in the last years. We have always been very interested in collaboration and how we can potentialize it through design and artistic processes, in a way that the design itself is a means to an end – to put people together, sharing experiences and creations.
The Atlas we are proposing is something in between the idea of a box, a table and an exhibition. The box is meant to store, accumulate and organize the collected content, while the table is meant to offer it to manipulation and confrontation by the artists participating and the public visiting. The ways to display it will be found out through the process, together. We’ll invite the artists participating in Close to There to collaborate with content, primarily images, visual fragments of their works, thoughts, interests, research and anything else they find fit, so we can look together at all this diversity. One important reference to this work is the Atlas Mnemosyne proposed by German art historian Aby Warburg, between 1923 and 1929, where he would put together a very diverse group of images to compose transversal and unexpected readings on the history of art. It was an iconology of intervals, as Giorgio Agamben once said, because the most important were the spaces in between the images and not their singular aspects. Warburg liked to say that there were intimate and secret relations hidden behind images, and he looked for them through the Atlas. So I hope that maybe we can see – and build – some in-betweens in this process. And in the meantime show to the public some views of what the group is doing – not in a synthetic or unifying way, but rather a fragmented and sinoptical one, exposing the complexity and diversity of the creative singularities put together by Comfort Station.
What about you?
The Atlas we are proposing is something in between the idea of a box, a table and an exhibition. The box is meant to store, accumulate and organize the collected content, while the table is meant to offer it to manipulation and confrontation by the artists participating and the public visiting. The ways to display it will be found out through the process, together. We’ll invite the artists participating in Close to There to collaborate with content, primarily images, visual fragments of their works, thoughts, interests, research and anything else they find fit, so we can look together at all this diversity. One important reference to this work is the Atlas Mnemosyne proposed by German art historian Aby Warburg, between 1923 and 1929, where he would put together a very diverse group of images to compose transversal and unexpected readings on the history of art. It was an iconology of intervals, as Giorgio Agamben once said, because the most important were the spaces in between the images and not their singular aspects. Warburg liked to say that there were intimate and secret relations hidden behind images, and he looked for them through the Atlas. So I hope that maybe we can see – and build – some in-betweens in this process. And in the meantime show to the public some views of what the group is doing – not in a synthetic or unifying way, but rather a fragmented and sinoptical one, exposing the complexity and diversity of the creative singularities put together by Comfort Station.
What about you?
TANTO: Estamos propondo uma estrutura ou ação colaborativa que chamamos de Atlas. O projeto deriva da minha pesquisa de mestrado na Faculdade de Arquitetura da Universidade Federal da Bahia, na qual imagino formas metodológicas para abordar a cidade de maneira artística e colaborativa, mas também de muitos dos trabalhos que nós do TANTO propomos nos últimos anos. Sempre nos interessamos pela colaboração e como potencializá-la por meio de design e processos artísticos, de modo que o próprio design é um instrumento para juntar pessoas, compartilhar experiências e criações.
O Atlas que estamos propondo é algo entre a ideia de uma caixa, uma mesa, e uma exposição. A caixa é para guardar, acumular e organizar o conteúdo coletado, a mesa para oferecê-lo à manipulação e confrontamento pelos artistas participantes e o público visitante. Já as maneiras de exibir esse projeto vamos descobrir juntos, ao longo do processo. Vamos convidar os artistas participando do Perto de Lá para colaborar com conteúdo, principalmente imagens, fragmentos visuais de seus trabalhos, pensamentos, interesses, pesquisas e tudo o mais que achem pertinente, para que possamos visualizar juntos toda essa diversidade. Uma referência importante para esse trabalho é o Atlas Mnemosyne proposto pelo historiador da arte alemão Aby Warburg, entre 1923 e 1929, em que ele juntava um grupo muito diverso de imagens para compor leituras transversais e inesperadas da história da arte. Era uma iconologia de intervalos, como disse uma vez Giorgio Agamben, porque o mais importante eram os espaços entre as imagens e não seus aspectos singulares. Warburg gostava de dizer que havia relações íntimas e secretas escondidas atrás das imagens, e que ele procurava por elas por meio do Atlas. Então eu espero que nós possamos ver – e construir – alguns “entres” nesse processo. E enquanto isso, mostrar um pouco ao público algumas visões do que o grupo está fazendo – não de maneira sintética e unificada, mas de maneira fragmentada e sinóptica, expondo a complexidade e a diversidade das criatividades singulares reunidas pela Comfort Station.
E você?
O Atlas que estamos propondo é algo entre a ideia de uma caixa, uma mesa, e uma exposição. A caixa é para guardar, acumular e organizar o conteúdo coletado, a mesa para oferecê-lo à manipulação e confrontamento pelos artistas participantes e o público visitante. Já as maneiras de exibir esse projeto vamos descobrir juntos, ao longo do processo. Vamos convidar os artistas participando do Perto de Lá para colaborar com conteúdo, principalmente imagens, fragmentos visuais de seus trabalhos, pensamentos, interesses, pesquisas e tudo o mais que achem pertinente, para que possamos visualizar juntos toda essa diversidade. Uma referência importante para esse trabalho é o Atlas Mnemosyne proposto pelo historiador da arte alemão Aby Warburg, entre 1923 e 1929, em que ele juntava um grupo muito diverso de imagens para compor leituras transversais e inesperadas da história da arte. Era uma iconologia de intervalos, como disse uma vez Giorgio Agamben, porque o mais importante eram os espaços entre as imagens e não seus aspectos singulares. Warburg gostava de dizer que havia relações íntimas e secretas escondidas atrás das imagens, e que ele procurava por elas por meio do Atlas. Então eu espero que nós possamos ver – e construir – alguns “entres” nesse processo. E enquanto isso, mostrar um pouco ao público algumas visões do que o grupo está fazendo – não de maneira sintética e unificada, mas de maneira fragmentada e sinóptica, expondo a complexidade e a diversidade das criatividades singulares reunidas pela Comfort Station.
E você?
ES: Sounds fascinating! I look forward to experiencing this experiment. My contribution for the Chicago manifestations of Close To There <> Perto De Lá will be to play hostess, greet visitors and engage in conversation. The event titled Molecular Revolutions and Domestic Institutions, organized by Jordan Martins will take place at my project space THE FRANKLIN on Saturday, August 10 from 3pm to 6pm. As Jordan describes it: “What are the various functions and modalities of the artist-run-space in different geographical contexts? What social or historical conditions do they relate to in the way they operate within and outside of a strict “art world”. Chicago is known for its proliferation of artist-run spaces within the domestic context of a house, apartment, garage, or backyard, and we will gather, grill and converse at one of the city’s most important alternative spaces, THE FRANKLIN, to ponder these questions with artists and organizers from Comfort Station’s Close to There <> Perto de Lá exchange with Salvador, Brazil based Projeto Ativa.” I look forward to engaging with Brazil and Chicago artists as well as visitors in our festive home environment.
I’ve been running THE FRANKLIN with my husband Dan Sullivan since 2012. THE FRANKLIN is a gazebo type of space designed by us and located in the backyard of our home. After completing my MFA at the School of the Art Institute of Chicago in 2000, the artist-run community in Chicago became my preferred to-go-to community. I was fascinated by the energy, enthusiasm, comradery and complicitness I kept finding while experiencing the artists-run spaces. This experience brought me lifetime friendships, my first exhibition at a major Chicago art museum and an invaluable collection of art that continues to grow. Exchange, support and the gift of visibility are all a part of the M.O. that motivates us to foster the artist-run model as an intricate part of our life philosophy.
Considering your interest in design and architecture, are there any particular buildings, landmarks or Chicago museums you are looking forward to visiting?
I’ve been running THE FRANKLIN with my husband Dan Sullivan since 2012. THE FRANKLIN is a gazebo type of space designed by us and located in the backyard of our home. After completing my MFA at the School of the Art Institute of Chicago in 2000, the artist-run community in Chicago became my preferred to-go-to community. I was fascinated by the energy, enthusiasm, comradery and complicitness I kept finding while experiencing the artists-run spaces. This experience brought me lifetime friendships, my first exhibition at a major Chicago art museum and an invaluable collection of art that continues to grow. Exchange, support and the gift of visibility are all a part of the M.O. that motivates us to foster the artist-run model as an intricate part of our life philosophy.
Considering your interest in design and architecture, are there any particular buildings, landmarks or Chicago museums you are looking forward to visiting?
ES: Fascinante! Aguardo a experiência desse experimento. Minha contribuição para as manifestações de Close To There <> Perto De Lá em Chicago vai ser fazer papel de anfitriã, receber visitantes e fazer conversa. O evento intitulado Molecular Revolutions and Domestic Institutions (“Revoluções moleculares e instituições domésticas”), organizado por Jordan Martins, vai ocorrer no meu espaço-projeto THE FRANKLIN no sábado, 10 de agosto das 3 às 6 da tarde. Como Jordan descreve: “Quais são as diferentes funções e modalidades do espaço-gerido-por-artistas em diferentes contextos geográficos? Com quais condições sociais e históricas eles se relacionam, fora do “mundo das artes” em seu sentido estrito? Chicago é conhecida por sua proliferação de espaços organizados por artistas dentro do contexto doméstico de uma casa, apartamento, garagem, ou quintal, e nós vamos nos reunir, fazer um churrasco e conversar em um dos espaços alternativos mais importantes da cidade, THE FRANKLIN, para considerar essas questões com artistas e organizadores do intercâmbio Close To There <> Perto De Lá entre o Projeto Ativa, em Salvador e a Comfort Station em Chicago. Estou animada para conversar com artistas do Brasil e de Chicago, assim como visitantes, no nosso festivo espaço doméstico.
Eu organizo THE FRANKLIN com meu marido Dan Sullivan desde 2012. THE FRANKLIN é um tipo de gazebo que nós projetamos e que fica no nosso próprio quintal. Depois que terminei meu MFA (mestrado em belas artes) na School of the Art Institute of Chicago em 2000, a comunidade de espaços geridos por artistas em Chicago se tornou minha comunidade preferida de frequentar. Eu ficava fascinada com a energia, entusiasmo, camaradagem e cumplicidade que encontrava repetidamente na minha experiência nesses espaços. Essa experiência me trouxe amizades para a vida inteira, minha primeira exposição num grande museu de Chicago e uma preciosa coleção de arte que continua a crescer. Trocas, apoio e o presente da visibilidade são todos parte da nossa motivação ao promover esse modelo gerido por artistas como uma parte intrincada de nossa filosofia de vida.
Considerando seu interesse em design e arquitetura, haveria edifícios, marcos ou museus de Chicago que vocês querem visitar em especial?
Eu organizo THE FRANKLIN com meu marido Dan Sullivan desde 2012. THE FRANKLIN é um tipo de gazebo que nós projetamos e que fica no nosso próprio quintal. Depois que terminei meu MFA (mestrado em belas artes) na School of the Art Institute of Chicago em 2000, a comunidade de espaços geridos por artistas em Chicago se tornou minha comunidade preferida de frequentar. Eu ficava fascinada com a energia, entusiasmo, camaradagem e cumplicidade que encontrava repetidamente na minha experiência nesses espaços. Essa experiência me trouxe amizades para a vida inteira, minha primeira exposição num grande museu de Chicago e uma preciosa coleção de arte que continua a crescer. Trocas, apoio e o presente da visibilidade são todos parte da nossa motivação ao promover esse modelo gerido por artistas como uma parte intrincada de nossa filosofia de vida.
Considerando seu interesse em design e arquitetura, haveria edifícios, marcos ou museus de Chicago que vocês querem visitar em especial?
TANTO: Your work with THE FRANKLIN is very inspiring and the event will de be a great opportunity for us coming from Bahia to get to know it better and also to exchange some experiences! I can definitely relate to what you say about the wonderful atmosphere and connections that these types of artist-run spaces can promote. I’ve met some of the artists that are coming along to the “Close To There” project in one of them, actually, a self-organized artists fair called Pedra Papel Tesouro[1]. The greatest thing we at TANTO got out of the time we were part of it was the friendships and partners we made, and that also led to many collaborations and projects. Artists struggle a lot in Salvador with a precarious and badly structured art market and few institutional spaces as well, so I think these are also important strategies to strengthen our artist and cultural community.
As for places to visit, for this trip we are willing to get along with other artists in the activities promoted by “Close To There,” and it’s part of our proposal with the Atlas to try and follow what they are doing, so we can feed the archive through those shared experiences. We will also visit some spaces related to printing and photography, like LATITUDE. But of course, as architects, there are some very important masterpieces that we would love to visit, specially those designed by Frank Lloyd Wright. The Art Institute of Chicago is also a place that I’ve always wanted to visit, both for its collection and for its architecture. And the city itself, which we are very interested in experiencing during these next days, trying to feel its mood, seeing how the public spaces are occupied, and how the artists living there relate their work to the urban space.
As for places to visit, for this trip we are willing to get along with other artists in the activities promoted by “Close To There,” and it’s part of our proposal with the Atlas to try and follow what they are doing, so we can feed the archive through those shared experiences. We will also visit some spaces related to printing and photography, like LATITUDE. But of course, as architects, there are some very important masterpieces that we would love to visit, specially those designed by Frank Lloyd Wright. The Art Institute of Chicago is also a place that I’ve always wanted to visit, both for its collection and for its architecture. And the city itself, which we are very interested in experiencing during these next days, trying to feel its mood, seeing how the public spaces are occupied, and how the artists living there relate their work to the urban space.
TANTO: Seu trabalho com THE FRANKLIN é muito inspirador e o evento vai ser uma grande oportunidade para nós, vindos da Bahia, conhecermos melhor esse projeto, e também compartilhar experiências! Eu conheço essa atmosfera e conexões maravilhosos que esse tipo de espaço organizado por artistas pode promover. Na verdade, eu conheci alguns dos artistas que estão vindo conosco para o projeto “Perto de Lá” em um desses espaços, a feira de artistas chamada Pedra Papel Tesouro. O que nós do TANTO mais ganhamos, do tempo que fizemos parte da feira, foram as amizades e parcerias que fizemos, e isso também levou a muitas colaborações e projetos. Artistas passam dificuldade em Salvador, com um mercado de arte precário e mal-estruturado, além de poucos espaços institucionais, então acho que esses espaços também são estratégias importantes para fortalecer a nossa comunidade artística e cultural.
Já sobre lugares para visitar, nós vamos nos juntar aos outros artistas nas atividades promovidas pelo “Perto de Lá”, e é parte da nossa proposta com o Atlas tentar seguir o que estiverem fazendo, para podermos preencher nosso arquivo com essas experiências compartilhadas. Também visitaremos alguns espaços relacionados a impressão e fotografia, como LATITUDE. Mas é claro, como arquitetos, há algumas obras-primas muito importantes que adoraríamos visitar, especialmente aquelas projetadas por Frank Lloyd Wright. O Art Institute of Chicago também é um lugar que sempre quis visitar, tanto pela coleção quanto por sua arquitetura. E estamos interessados em experienciar a cidade em si, nos próximos dias, tentando sentir seu humor, vendo como os espaços públicos são ocupados, e como os artistas vivendo lá relacionam seu trabalho com o espaço urbano.
Já sobre lugares para visitar, nós vamos nos juntar aos outros artistas nas atividades promovidas pelo “Perto de Lá”, e é parte da nossa proposta com o Atlas tentar seguir o que estiverem fazendo, para podermos preencher nosso arquivo com essas experiências compartilhadas. Também visitaremos alguns espaços relacionados a impressão e fotografia, como LATITUDE. Mas é claro, como arquitetos, há algumas obras-primas muito importantes que adoraríamos visitar, especialmente aquelas projetadas por Frank Lloyd Wright. O Art Institute of Chicago também é um lugar que sempre quis visitar, tanto pela coleção quanto por sua arquitetura. E estamos interessados em experienciar a cidade em si, nos próximos dias, tentando sentir seu humor, vendo como os espaços públicos são ocupados, e como os artistas vivendo lá relacionam seu trabalho com o espaço urbano.
ES: Thank you for your kind words. I agree with you completely. The best reward always ends up being those relationships we get to keep from the different experiences we engage with. That is the only part that never feels precarious.
LATITUDE is a great organization and you should definitely visit them. The Frank Lloyd Wright experience is always satisfying. While you are downtown visiting the Art Institute of Chicago and the Modern Wing, stop by Millennium Park to see Anish Kapoor’s Cloud Gate. Next door is the Chinatown for phenomenal architectural views. Before stopping by THE FRANKLIN on Saturday, take a moment to stop by Garfield Park Conservatory, two blocks away from us. GPC is a botanical garden with a remarkable plant collection and one of my favorite Chicago landmarks.
LATITUDE is a great organization and you should definitely visit them. The Frank Lloyd Wright experience is always satisfying. While you are downtown visiting the Art Institute of Chicago and the Modern Wing, stop by Millennium Park to see Anish Kapoor’s Cloud Gate. Next door is the Chinatown for phenomenal architectural views. Before stopping by THE FRANKLIN on Saturday, take a moment to stop by Garfield Park Conservatory, two blocks away from us. GPC is a botanical garden with a remarkable plant collection and one of my favorite Chicago landmarks.
ES: Obrigada por suas palavras gentis. Eu concordo com você completamente. A maior recompensa são sempre essas relações que guardamos dessas diferentes experiências. Essa é a única parte que nunca parece precária.
LATITUDE é uma organização ótima e vocês com certeza devem visitar. A experiência de Frank Lloyd Wright sempre satisfaz. Quando estiver no centro vendo o Art Institute of Chicago e a ala moderna, pare no Millenium Park para ver a escultura Cloud Gate do Anish Kapoor. Ao lado fica o Chinatown para ter vistas arquitetônicas fenomenais. Antes de chegarem ao FRANKLIN no sábado, passem pelo Garfield Park Conservatory, que fica a apenas dois blocos da nossa casa. O GPC é um jardim botânico com uma coleção de plantas notável e é um dos meus marcos favoritos em Chicago.
LATITUDE é uma organização ótima e vocês com certeza devem visitar. A experiência de Frank Lloyd Wright sempre satisfaz. Quando estiver no centro vendo o Art Institute of Chicago e a ala moderna, pare no Millenium Park para ver a escultura Cloud Gate do Anish Kapoor. Ao lado fica o Chinatown para ter vistas arquitetônicas fenomenais. Antes de chegarem ao FRANKLIN no sábado, passem pelo Garfield Park Conservatory, que fica a apenas dois blocos da nossa casa. O GPC é um jardim botânico com uma coleção de plantas notável e é um dos meus marcos favoritos em Chicago.
Footnote: [1] Literally, “rock paper treasure” a wordplay with “pedra papel tesoura” (“rock paper scissors”).
Featured Image: The members of TANTO Criações Compartilhadas. Left to right: Daniel Sabóia, Patricia Almeida, and Fabio Steque. / Os membros do TANTO Criações Compartilhadas. Esquerda à direita: Daniel Sabóia, Patricia Almeida e Fabio Steque.
“Perto de Lá <> Close to There” runs from August 9 through August 19, in Chicago, featuring a series of public events with the Brazilian artists in locations throughout the city. Read more of the interviews here.
Related events:
Molecular Revolutions and Domestic Institutions
hosted by Edra Soto and Dan Sullivan
August 10, 2019, 3-6pm
The Franklin: 3522 W Franklin Blvd, Chicago, IL 60624
More info…
Comfort Society: Artist Organizing and Public Architecture with Daniel Saboia, Patricia Almedia, Lanussi Pasquali, and Latham Zearfoss, moderated by Jordan Martins
August 18, 2019, 1-2pm
Comfort Station: 2579 N Milwaukee Av, Chicago, IL 60647
More info…
Marina Resende Santos is a guest editor for a series of conversations between participants of “Close to There <> Perto de Lá”, an artist exchange program between Salvador, Brazil and Chicago organized by Comfort Station (Chicago), Projeto Ativa (Salvador) and Harmonipan (Mexico City) between 2019 and 2020. Marina has a degree in comparative literature from the University of Chicago and works with art and cultural programming in different organizations in the city. Her interviews with artists and organizers have been published on THE SEEN, South Side Weekly, Newcity Brazil, and Lumpen magazine. / Marina Resende Santos é editora convidada de uma série de conversas entre participantes de “Perto de Lá <> Close to There”, um programa de intercâmbio de artistas entre Salvador e Chicago, organizado pelos projetos culturais Comfort Station (Chicago), Projeto Ativa (Salvador) e Harmonipan (Cidade do México e Salvador), entre 2019 e 2020. Marina é graduada em literatura comparada pela University of Chicago e trabalha com programação artística e cultural em diferentes organizações em Chicago. Suas entrevistas com artistas e organizadores foram publicadas nas plataformas THE SEEN, South Side Weekly, Newcity Brazil, e Lumpen Magazine.
