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Sintonizando Fuera del Sonido Automatizado es una serie de Sesenta que explora los ecosistemas musicales del Medio Oeste: culturas de escuchar donde la curación cuidadosa, la participación colectiva y la narración de historias aún influyen en qué y cómo escuchamos. Esta serie pretende ser un recordatorio: escuchar puede ser mucho más que una experiencia pasiva y efímera.
Livy Onalee Snyder (LS): Este verano, enseñaste un taller en el Campamento de Subversión de Co-Prosperity. Los participantes construyeron instrumentos utilizando materiales reciclados y tecnología anticuada. ¿Qué fue lo que te inspiró inicialmente a explorar la creación de sonido a través de la obsolescencia y el reciclaje tecnológico?
Juanjosé Rivas (JR): Mi trabajo como artista desde sus inicios tiene que ver con cómo nos relacionamos con la tecnología y sus consecuencias materiales y simbólicas, el uso de residuos y material de reciclaje tecnológico es una forma de resistencia y un comentario político acerca de la producción excesiva y el capitalismo.
LS: ¿Cómo es que los materiales residuos o reciclados modifican nuestra forma de pensar sobre la música, instrumentos, o el sonido?
JR: Trabajar con residuos sonoros o herramientas electrónicas que no son propiamente instrumentos tecnológicos nos hace replantearnos la idea de lo que entendemos por música y expandir nuestros límites estético-musicales para dar paso a una escucha más profunda y activa en donde el ruido y el silencio son parte indispensable de lo musical. Encontrar posibilidades sonoras en herramientas obsoletas u objetos encontrados expande nuestros horizontes y límites creativos.
LS: ¿Puedes compartir más información sobre el taller para los que no pudieron ir pero que tal vez les interese crear su propio aparato sónico? ¿Cuáles son sus instrucciones básicas para ensamblar un aparato de este tipo?
JR: Claro! No he puesto las instrucciones y los componentes en línea, pero creo que lo importante del taller, es saber que cualquier persona con o sin conocimientos previos de electrónica o musicales puede experimentar conociendo algunas reglas básicas de electrónica y con algunos pocos recursos. Actualmente existen muchísimos foros en línea o tutoriales para trabajar con electrónica de forma casera o experimental, creo que lo importante en un taller presencial como el que di en Co-Prosperity es cambiar la ideología del “Do It Yourself” al “Do It Together.”
Compartir experiencias y conocimiento se vuelve cada vez más importante que compartir información.
LS: También note que el taller elevó la construcción colectiva. ¿Qué relación ves entre la construcción de instrumentos colaborativos y la resistencia a las tecnológicas dominantes o infraestructuras musicales?
JR: Creo que la idea esencial del taller consiste en cuestionar la relación que tenemos con el consumo y la distribución de recursos simbólicos y materiales, cuestionar lo que escuchamos sea musical o no y lo que consumimos materialmente sean recursos tecnológicos o no, tiene que ver con una serie de valores culturales económicos y políticos que se nos imponen, limitándonos a consumir sin cuestionar y en ese sentido el taller pretende ofrecer un espacio de intercambio y conexión colectiva para preguntarnos el cómo y por qué consumimos lo que consumimos.
LS: ¿Cómo esperas que los participantes escuchen diferente después de construir estos “dispositivos sónicos autónomos”?
JR: La idea es que los participantes del taller salgan con la idea de que todo lo que nos rodea tiene posibilidades expresivas y artísticas y que solo hace falta escuchar con atención y sensibilidad todo lo que nos rodea.
LS: ¿Y como ves? ¿Piensas que el taller cumplió con tus expectativas como facilitador? ¿Qué te sorprendió?
JR: Claro! Co-Prosperity es un gran espacio, rodeado por una comunidad muy diversa e interesante, siempre es grato encontrarte a personas con distintos intereses y cultura y saber que podemos dialogar y compartir. Me sorprendió la apertura y la recepción de los participantes ya que cada uno de ellos encontró no solo un instrumento musical o sonoro sino una posibilidad de fabricar y construir algo con sus propias manos.
Sobre la Autora: Las palabras de Livy Onalee Snyder’s han sido publicadas en el Journal for Metal Music Studies, DARIA, Ruckus, TiltWest, Signal, y mas. Se graduo con su Mastria de la Universidad de Chicago en 2021. Trabaja para punctum books y es parte del board de La Sociedad Internacional del Estudio de Musica Metal. Puedes escuchar su programa de radio en WHPK 88.5 FM Chicago. Lee lo que Livy ha escrito para Sesenta aqui.
Sobre el Artista: Juanjosé Rivas es un artista transmedia Mexicano. Su obra se caracteriza por explorar las fronteras entre el sonido, el arte y la tecnología, con una sólida formación artística y una pasión por la experimentación. A lo largo de su práctica artística, Rivas ha utilizado diversos medios, como el dibujo, la fotografía, el vídeo, las instalaciones sonoras, las composiciones electroacústicas y las performances en vivo. Sus creaciones a menudo implican el uso de tecnologías digitales y electrónicas, lo que le permite expandir las posibilidades expresivas del sonido sin separarse de la improvisación como recurso principal, para elaborar un discurso a través de la traducción, el error y la interferencia dentro de los diferentes lenguajes artísticos.
Además de su trabajo artístico, Juanjosé Rivas ha contribuido significativamente a la escena sonora Mexicana como director de VOLTA, sesiones de improvisación y experimentación sonora con más de 12 años de experiencia. Ha impartido talleres y conferencias sobre arte sonoro, arte y tecnología, y procesos creativos, y ha colaborado con otros artistas y músicos en proyectos multidisciplinares.
Sobre la Artista: Bri Robinson es una artista de técnicas mixtas, collagista analógica, escultora y historiadora que teje intrincadas narrativas de amor, la pérdida y la identidad a lo largo del extenso Medio Oeste. En su proceso de cortar, pegar y superponer, Bri profundiza en el significado de estos objetos encontrados, transformándolos en evocadoras obras de arte. Su práctica está profundamente enfocada en la exploración de la identidad, las relaciones y la constante evolución del yo. Al fusionar materiales de archivo con elementos de la cultura popular, crea narrativas que invitan la reflexión y invitan al espectador a interactuar con las complejidades de la experiencia queer. A través de su trabajo, Bri honra el pasado a la vez que trasciende los límites de la historia del arte contemporáneo, creando piezas tan introspectivas como expansivas. IG: @niq.uor.
